de composición fotográfica, sólo buenas fotografías.»
Ansel Adams (fotógrafo de paisajes)
Armados con conocimientos sobre geometría y proporción, ¿cómo se enfrentan los fotógrafos a la composición en el mundo real? En algunas situaciones, como en la fotografía convencional de paisajes, el fotógrafo ejerce el control solamente sobre algunos aspectos: hay que esperar a tener la luz adecuada, estar a merced de las condiciones climáticas y la elección del punto de vista es de gran importancia. Un caso totalmente opuesto es el de la fotografía de bodegones, donde el fotógrafo ejerce el control sobre todos los detalles, desde la disposición de los elementos hasta la iluminación. Los fotógrafos de bodegones muchas veces imponen límites a su obra estudiando las pinturas de bodegones o analizando tradiciones de este estilo, como por ejemplo fotografiar una flor perfecta. Los fotógrafos artísticos tienen algunas similitudes con los de bodegones, al margen del tema, pues estudian y utilizan técnicas fotográficas antiguas o alternativas, también con técnicas modernas.
El retrato es un tema siempre vigente en fotografía. Los fotógrafos especializados en retrato se sienten motivados por las infinitas variaciones del rostro humano. Salir del estudio y adentrarse en el entorno del modelo abre un mundo de posibilidades y revela mucho más la personalidad del modelo y sus intereses. En el caso del retrato, o del desnudo, el cuerpo humano es un motivo clásico para experimentar con la forma, la luz y la textura.
La composición resulta mucho más complicada en el caso de la fotografía documental o de reportaje, pero es muy importante para comunicar al observador la narrativa de un momento. Las mejores fotografías de ambos géneros son el resultado de combinar la excelencia técnica con una buena composición.
En el ámbito comercial, la composición puede ser una buena interpretación de las ideas visuales de otra persona. En la fotografía publicitaria y editorial, los dictados del director artístico o del editor cinematográfico son decisivos para decidir qué tipo de fotografía se va a realizar. Normalmente, la imagen se compone teniendo en cuenta un diseño previo. En este capítulo explicaremos cómo utilizar en diferentes situaciones prácticas las ideas que hemos comentado para demostrar lo importante que es la composición en este proceso.
Escalera del Vaticano (página anterior)
En esta fotografía de varios turistas que suben la gran escalera en espiral del Vaticano, en Roma, se ha aplicado una cuidadosa composición geométrica. Se ha utilizado una técnica fotográfica para emborronar a las personas que se están moviendo, de forma que contrasten con la precisión y la solidez de los elementos arquitectónicos. Esto también hace que los turistas se conviertan en tonos de color dentro de una imagen en general acromática, lo que le añade cierto dramatismo y demuestra el interés del fotógrafo por el color.
Fotógrafo: Trine Simes Thorne.
Ficha técnica: Canon EOS 300D (Digital Rebel) con objetivo Canon EF-S 18-55 mm, ISO 100, la imagen se desaturado selectivamente, virándose el fondo y manteniendo el color en las personas que están en la escalera.
I
El paisaje
La fotografía de paisajes incorpora todos los elementos de la composición, pero a lo grande, de ahí su popularidad. Con la composición paisajística, el fotógrafo espera que la luz desvele la textura, como, por ejemplo, características geológicas o arqueológicas, y sacar provecho de ellas. La luz siempre en movimiento del sol y de la luna desvelan el contorno y la forma de la Tierra. Las estaciones cubren la tierra con diversos colores.
La composición paisajística no es simplemente la disposición de elementos dentro del encuadre, sino que además hay que entender que la imagen puede transformarse con los cambios de luz sobre los que el fotógrafo no tiene control. Aunque éste decide el punto de vista, se halla a merced de la naturaleza en lo que respecta a la iluminación, y lo único que puede hacer es esperar y observar. La altura y la dirección del sol determinan la luz en
el paisaje y esto depende de la hora del día y de la estación. Algunos paisajes - c o m o los de las zonas costeras con orientación norte del hemisferio norte- nunca reciben la luz directa del sol. La paciencia es la madre de la ciencia. Las cartas que indican la posición del sol y las brújulas ayudan a averiguar qué luz tendrá un paisaje dado. Evidentemente, también es aconsejable leer libros y revistas sobre el tema, pero aunque todos estos consejos resultan útiles cuando se prepara un viaje, la verdadera solución es la experiencia. Algunas lugares famosos sólo tienen momentos muy limitados en el año en los que se les puede fotografiar (por ejemplo, cuando la luz penetra en una garganta e ilumina un detalle en particular).
En la fotografía paisajística, antes de componer la imagen, se ha de considerar la sensación de lugar. Esta percepción es lo que permite dar una respuesta emotiva al paisaje con la cámara. Sin esa honestidad, la fotografía del paisaje no emociona.
Tierra y cielo (página anterior)
Un objetivo super gran angular, con su enorme profundidad de campo, realza el primor plano, destaca el cielo y crea una profunda perspectiva que hace que el observador se adundo en la imagen. Los restos de nieve proporcionan equilibrio a las nubes del cielo.
Fotógrafo: Marina Cano.
Aplicaciones
El bodegón
El bodegón se define como un arreglo de objetos y es un género muy popular, tal vez por su adaptabilidad, entre los pintores y los fotógrafos. En ese sentido, la composición en los bodegones es totalmente diferente a la de la fotografía paisajística. En un bodegón, el fotógrafo tiene todo el control, desde la elección del motivo hasta el fondo y la calidad de la luz. Sólo por esta razón,
necesita más disciplina, pues se puede jugar con muchos aspectos. Merece la pena estudiar a los grandes pintores de bodegones y observar el equilibrio de la composición logrado con la disposición de los elementos y el tratamiento de la luz. Muchos fotógrafos ven los elementos de sus bodegones como cuerpos geométricos (cubos, conos, esferas). Algunos han practicado con poco más que una serie de formas de madera o de papel y una sola fuente de luz. De hecho, casi cualquier objeto sirve para hacer un bodegón, pues lo más importante es la forma y el volumen. Para obtener fotografías de mejor calidad, es mejor trabajar con una cámara de gran
formato. Es más fácil utilizar una máscara transparente de 10 x 12 cm como marco para establecer el punto de vista que mover la cámara. Para ello, hay que colocar la pantalla delante del ojo aproximadamente a la misma distancia que la longitud focal del objetivo que se quiere utilizar. La iluminación más sencilla es la que se obtiene con una sola fuente de luz acompañada por un reflector para controlar la relación de iluminación del plato; el fondo se puede iluminar independientemente. Aunque para dominar la técnica del bodegón hay que saber utilizar las luces de estudio, los bodegones al aire libre, que aprovechan la luz natural y tal vez utilizan como escenario una esquina de un jardín, también pueden resultar muy gratificantes. Fotógrafos artísticos como Andy
Goldsworthy y Chris Drury crean y fotografían bodegones naturales con materiales que encuentran en el medio ambiente. Estas fotografías las realizan de distintas formas y en lugares diversos, como por ejemplo, mercadillos callejeros o el rincón de un cobertizo.
Elevación (página siguiente)
Un enfoque selectivo y una adecuada profundidad de campo convierten esta sencillísima imagen, formada sólo por una canica de cristal y un rollo de plástico, en un estudio de color y volumen. El hecho de que el rollo de plástico y la canica tengan el mismo diámetro y se encuentren en el mismo eje hace que parezca que la canica haya salido del plástico y se haya detenido.
Fotógrafo: Trine Simes Thorne. Ficha técnica: Nikon Coolpix 880.
Aplicaciones
El retrato
El rostro humano es siempre fascinante, pues se trata de una forma dada con infinitas variaciones. El retrato puede ser formal o informal. En el formal, el modelo y el fotógrafo saben lo que van a hacer y generalmente trabajan juntos para crear una imagen. El retrato informal se hace sin que el sujeto se dé cuenta de que está siendo fotografiado y, por lo tanto, está más relajado y resulta más natural. Los dos tipos de retratos son reveladores, aunque de distinta manera.
El trabajo de estudio se suele relacionar con los retratos formales, pero también se pueden hacer buenos retratos informales en estudio y viceversa, retratos formales fuera de él. Para retratar a una persona de un modo informal y que pose relajada en su propio entorno, sólo se necesita
la simple luz de una ventana y un reflector. Para encontrar la «esencia» de la persona, suele ser más efectivo enfocar sólo la cara. Por el contrario, el retrato ambiental incluye el entorno del sujeto para así crear contraste y contexto, como, por ejemplo, su trabajo o su pasión, o bien reflejar su clase social.
Fotografiar a dos o más personas formal o informalmente puede resultar todo un desafío. El modo en que los modelos utilizan su espacio personal y la conexión que hay entre ellos influye en la manera en que el observador interpreta la imagen. Personas que están muy cerca pueden parecer tensas e incómodas, a pesar de las sonrisas «falsas». Cuando se fotografían personas que mantienen una relación cercana, se puede explorar la dinámica de su relación.
Hermanas {página siguiente)
El recorte realizado en el encuadre plasma un momento de intimidad entre dos hermanas, que todavía se refuerza más al mostrar sólo la mitad de los rostros (en la fotografía aparece un rostro entero, pero que pertenece a dos personas). Eliminar el fondo y el detalle de la ropa, así como el peinado le confiere un carácter intemporal a la imagen.
Fotógrafo: Nina Indset Andersen.
Ficha técnica: no se ha facilitado información sobre la cámara. La fotografía se realizó en un día soleado y luminoso con un reflector para modelar mejor las caras; el contraste se ha ajustado en Photoshop y la fotografía se ha pasado a blanco y negro.