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El Fauvismo puede considerarse como una exacerbación de lo impresionista, sobre todo por su uso abusivo de los colores puros sin mezclar, al servicio de una pintura que parecía decorativa en tanto que trataban temas que se interpretaban como insustanciales o banales. El aspecto inacabado y tosco también hacía que estas pinturas resultaran muy escandalosas en la época. El fauvismo puede considerarse el primer movimiento de vanguardia, sin embargo existe una falta de cohesión como grupo. Todos coinciden en el protagonismo del color y en el rechazo por la narración y por el ornamentalismo modernista, pero sus propuestas son muy diversas e individuales. Sus mayores representantes serán Henri Matisse, Maurice Vlaminck y André Derain, y también Braque en su primera etapa.

Expresionismo

Los expresionistas entienden el impresionismo como un arte aburguesado, y por ello lo rechazan. Piensan que el impresionismo había sido un reflejo pasivo de esa sociedad burguesa, y se lanzan en la búsqueda del alma, de dar una mirada espiritual. Pretenden crear un hombre nuevo, que se aleje

todo lo posible de lo tradicional y de lo convencional, y por ello cultivan lo feo. Se sirven del color saturado, un color antinaturalista, igual que los fau, pero sin buscar la armonía en la composición de color, ya que su pintura es mucho más disonante que la de los fauvistas.

El expresionismo se manifestó en dos grupos:

- Die Brücke (El Puente), con sede en Dresde, y cuyo mayor representante fue Ludwing Kirchner.

- Der Blue Reiter (El jinete Azul), grupo conformado en Munich y con Kandinsky a la cabeza. Kandisnky llevará su pintura hacia la abstracción, basándose en la búsqueda de la correspondencia entre forma-color y el ánimo de quien contempla la obra: “La armonía del color y de la forma deben basarse única y exclusivamente en el principio del justo contacto con el alma humana”.

Cubismo

Este estilo nació de la mano de Pablo Picasso y Braque entre 1907 y 1914.

El Cubismo es un lenguaje pictórico que a principios del siglo XX se encargó de liquidar definitivamente el orden renacentista. El Cubismo crea un lenguaje alternativo, poniendo de manifiesto que el orden renacentista era uno de los muchos planteamientos posibles, pero no el único como había supuesto casi toda la Historia del Arte occidental. El Cubismo es un lenguaje que transcribe la realidad sin recurrir al naturalismo. Al inventar un lenguaje alternativo al de las convenciones renacentistas, el Cubismo plantea el problema de la autonomía de la pintura.

Futurismo

Se desarrolla en el ámbito italiano. Es el primer movimiento de vanguardia que se funda con la conciencia de que el arte debe intervenir de forma directa en la construcción de una nueva sociedad. El Futurismo se caracteriza por la fascinación hacia todos los elementos definitorios de la nueva sociedad industrial. Sienten admiración por la máquina, por la ciudad, por la velocidad, es el culto a la masa urbana.

Los mayores representantes futuristas italianos son el poeta Filippo Tommaso Marinetti, los pintores y/o escultores Umberto Boccioni, Gino Severini y Carlo Carrà.

Dadaísmo

La Primera Guerra Mundial (1914-1918) pone de manifiesto la crisis que atravesaba la sociedad occidental. El arte había comenzado a desmontar todos los principios tradicionales y había llegado incluso a abandonar la figuración en busca de otras formas de expresión de la realidad.

El dadaísmo es un movimiento nihilista, subversivo y sarcástico. Se presenta como un movimiento trasgresor, y será de los que más influencias tendrán en el arte posterior, especialmente en los años 60, ya que anteriormente el Cubismo tenía un mayor peso.

Con el Dadaísmo se da una total transformación e innovación del arte. Nace en Zúrich, en 1916 en territorio neutral con respecto al contexto bélico. En esta ciudad había una serie de artistas como

Hans Arp, Tristan Tzara, Hans Richter, H. Ball, R. Huelserbeck, y Marcel Janko, todos de distintas nacionalidades europeas, que se refugian en Suiza por estar en contra de la Guerra.

Marcel Duchamp y el concepto de ready made

Duchamp suele situarse dentro del movimiento dadaísta, aunque la gran parte de su producción fue realizada anteriormente en el contexto neoyorkino y no participó activamente en el grupo dadaísta. Duchamp da un vuelco a la noción de arte. Readymade significa “ya hecho”, “ya fabricado”, estando conformado por objetos hechos en serie, reproducibles industrialmente. Son objetos funcionales, con una función específica, a los que se le saca de su contexto y se les sitúa en uno artístico. El readymade no representa la realidad, sino que directamente la presenta. El trabajo del autor se limita a la elección de elementos prefabricados se acaba con la noción de obra de arte única y a la concepción del artista como genio aislado de la sociedad. Con el readymade Duchamp deja latente que la obra de arte es susceptible de ser reproducida, entramos en la llamada “Era de la reproductibilidad” (Walter Benjamin).

Constructivismo

Gran movimiento de la vanguardia rusa, liderado por el escultor Vladimir Tatlin.

El Constructivismo supone la revolución de la escultura. La escultura constructivista se estructura siguiendo formas geométricas. Comienzan a emplearse materiales nuevos, los “nobles materiales de la revolución”, el acero y el cristal, e incluso emplean materiales de desecho. Transforman el concepto de esculpir por el de construir, ellos no devastan el material para sacar la forma, sino que van ensamblando formas autónomas para conformar un todo. Rompen con el antropocentrismo típico de la escultura, especialmente de la escultura oficial.

Con todos estos cambios el Constructivismo plantea la transformación del concepto de monumento, de la escultura como conmemoración. Además se renuncia al pedestal, situando la escultura al nivel humano, lo que le resta toda la significación monumental. Es “la pérdida del pedestal”, un acto rotundamente democrático y social.

Neoplasticismo holandés

El Neoplasticismo holandés surge en 1917 como una utopía estética, una tarea estética de civilización. Nació en medio del desolador paisaje de la primera guerra mundial. También, el Neoplasticismo muestra esa conciencia crítica a la realidad contemporánea, a los valores burgueses y al Estado. El arte, para el Neoplasticismo, es el mejor antídoto contra el caos y el dolor de la guerra, y además tiene un valor pedagógico, sirviendo de guía espiritual para el hombre.

El Neoplasticismo holandés está conformado por artistas de diversos ámbitos; arquitectos, pintores, diseñadores, y todos ellos de distintas naciones europeas, entre los que destaca Mondrian.

La Bauhaus

La Bauhaus, “Casa de construcción” se funda en 1919 en Weimar por Walter Gropius. Más que un movimiento de vanguardia es una escuela que aparece de forma paralela a los movimientos de vanguardia. La Bauhaus fue un lugar de confluencia de las distintas vanguardias, sobre todo de las abstractas, originando la unión de todas las artes: arquitectura, pintura, escultura, diseño… Retoma la idea de gremio medieval.

Los artistas que Gropius llamó para enseñar en la Bauhouse proceden casi todos del expresionismo: Marcks, Itten, Paul Klee, Kandinsky y Moholy-Nagy.

La Bauhaus sobresale especialmente por ser una de las bases sobre las que se asienta la arquitectura moderna.

Surrealismo

Nace del Dadaísmo en algunos aspectos. Surge en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. El término surrealismo fue acuñado por el poeta Guillaume Apollinaire en 1917. En el año 1924 se publica el Primer Manifiesto Surrealista.

El Surrealismo es un movimiento contrario a todas las vanguardias abstractas, aunque sí que persigue la unión del arte y la vida. Es una forma de ver la vida, y en principio se mueve sobre todo en el ámbito literario. El surrealismo opone la búsqueda experimental y científica, apoyándose en la filosofía y en la psicología. Está basado en las teorías de Freud y el psicoanálisis, el mundo de los sueños, del que se destila una realidad mayor que está por encima de lo racional. Se da la descontextualización de los objetos que se funden en un nuevo contexto común dándoles nuevos significados.

“Bello como el encuentro casual de una máquina de coser y un paraguas en una mesa de operaciones” Definición de la belleza surrealista. Lautréamont.

El objetivo de la pintura surrealista, según Mario de Micheli10, es subvertir las relaciones de las

cosas, contribuyendo de tal modo, en la medida que sea posible, a precipitar la crisis de la conciencia general, que es el primer fin del surrealismo. Pero junto a esto, la pintura surrealista también busca la creación de un mundo en el que predomine lo maravilloso, un reino en el que rija la libertad y la inhibición y en el que se elimine todo complejo.

El surrealismo se basaba especialmente en el automatismo, en las leyes del azar. Ya los dadaístas habían dado mucha importancia al azar, pero el automatismo surrealista es mucho más mecánico y menos psíquico.

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Arte tras la Segunda Guerra Mundial

Informalismo

Tras la II Guerra Mundial la capitalidad cultural del siglo XX se traslada de París a Estados Unidos, fundamentalmente Nueva York. En este primer momento se da la pintura informalista, que supone un ataque contra la forma tradicional y contra la parte racional del arte, después de dos guerras mundiales, la defensa de la razón en un mundo gobernado por la sinrazón es intolerable. En Estados Unidos dentro de la pintura informalista predomina el expresionismo abstracto, cuyos máximos representantes son Pollock y la pintura gestual (act painting), y Rothko y el color field painting. Y en Europa, simplemente se denomina informalismo europeo, aunque también se distingues dos tendencias, la matérica y la gestual. Tanto la corriente europea como la americana originan una pintura muy subjetiva o cálida, y son la manifestación del auge de la abstracción tras la II Guerra Mundial. Se dan entre los años 40 y 50.

El giro hacia el arte contemporáneo

Entre los años 50 y 60 se produce el giro total hacia el arte contemporáneo. En este período se van a

dar tendencias que nos llevan a hablar de un “enfriamiento” del arte11, es decir, que el arte abandona

lo formal (Informalismos) para acercarse a lo conceptual. Ahora la máxima preocupación del arte no es la forma, sino el contenido, la significación del objeto dentro de la sociedad. Este enfriamiento del arte se da por medio del uso de técnicas nuevas, como el assemblage, el collage o el uso de técnicas mixtas, y también por nuevos comportamientos artísticos, que comienzan ya en los ‘50. Indican una necesidad de ir más allá de los medios habituales y buscar un espacio de creación que no se limite sólo al lienzo (visto como algo demasiado apegado a la tradición) En este momento tiene lugar también la vuelta al realismo y a la figuración y la negación absoluta de la abstracción.

El Dadaísmo pasa a ser el movimiento de vanguardia más influyente e importante para el arte del momento.

Neodadaísmo

Los artistas del momento se centran en Duchamp y en el ready-made porque la sociedad de masas que ellos retrataban es la imagen de la era de la reproductibilidad presente en la obra duchampiana, es la era de los objetos hechos en serie, donde la unicidad de la obra de arte carece de valor. La idea de genio creador deja de importar, puesto que la creación del objeto ocupa un plano totalmente secundario; el autor no es el que realiza la obra, sino que la escoge; el espectador pasa a tener un papel necesario en la interpretación de la obra y su acabado. Sus mayores representantes son Jasper Jhons y Robert Rauschenberg.

Arte Pop

El Arte Pop nace en Inglaterra y de allí pasa a los Estados Unidos.

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El arte pop fue asimilado rápidamente por el público en general. Entre los artistas pop destacados están: Warhol, Lichtenstein, Oldernburg (pop americano) o Hamilton (Pop británico).

La mayor diferencia que hay entre el Arte Pop británico y el americano, es que el británico está aún ligado a la crítica, mientras que el americano se abstrae de la misma. El artista pop americano es mucho más neutral, indiferente y frío frente a esa sociedad de consumo, de tal forma que dicho artista no parece estar haciendo ninguna valoración o critica del mundo de masas. Warhol decía: “Yo hago pinturas. No coment”.

Se busca que la imagen tenga la frialdad propia de lo producido en serie y mecánicamente, y por ello recurren a técnicas frías como la reproducción mecánica de la imagen.

Nuevo Realismo francés

El Nuevo Realismo comienza su andadura en abril de 1960, cuando el crítico francés Pierre Restany hace público en Milán el primer manifiesto del movimiento.

Lo que hacen fundamentalmente los artistas del Nuevo Realismo es una manipulación de los objetos previamente hechos, vinculándose a la tradición del ready-made. Son un nuevo dadaísmo que hay que alinear con el pop británico y el norteamericano. En este nuevo dadaísmo francés no sólo vamos a ver la reivindicación del dadaísmo y Duchamp, sino también una burla a los postulados del formalismo (a su seriedad, a su solemnidad o a su carácter trágico de la vida). El Nuevo Realismo parte también de los objetos de la sociedad de consumo, pero se muestra mucho más crítico que el pop británico y el norteamericano.

La desmaterialización del arte: Minimal, Posminimal y arte Conceptual.

Con las nuevas tendencias artísticas como el Minimalismo, el Postminimalismo o el arte Conceptual, abordamos un nuevo concepto de arte. Ahora, lo importante no es la obra de arte en sí, no interesa la obra física, el resultado final; lo más relevante es el proceso, pero también todos los discursos, investigaciones e interpretaciones que se llevan a cabo entorno a la obra y al arte en general.

A este nuevo planteamiento artístico se le denomina desmaterialización del arte, por el desinterés de lo físico (obra de arte final) a favor de lo mental, del concepto. La obra de arte se diluye, se desmaterializa. La obra artística no se identifica íntegramente con un objeto físico, pero no debemos olvidar que esto no conlleva la eliminación total de la referencia física, ya que el objeto nunca se pierde.

Nuevo concepto de escultura. Expansión de la escultura.

En los años 60 y 70 asistimos a la revolución de la escultura. En estos momentos, la escultura se convierte en el objeto de investigación artística, llegando a tener un mayor protagonismo que la producción pictórica.

La escultura había comenzado su revolución con las vanguardias, especialmente con el Constructivismo. Lo más importante de la escultura de vanguardia, era el hecho de no estar anclada a un lugar específico, se valoraba la facilidad de transporte y de disponerse en diversos entornos. Sin embargo, la nueva escultura de los 60 y 70 recupera el espacio fijo, la escultura se amalgama con dicho espacio, lo que origina que el objeto artístico solo es comprensible en su totalidad con el lugar específico (site specific)

Llamamos expansión de la escultura o escultura en el campo expandido, a una escultura basada en los cambios de la vanguardia, pero que a diferencia de la vanguardista, convierte el espacio y el lugar en el que se sitúa en parte intrínseca de su significado.

7. Bibliografía

AAVV.: Antológica Berrocal, (Catálogo exposición), Ministerio de Cultura, Madrid, 1984.

AAVV.: Berrocal, (Catálogo exposición) Cocejalía de Cultura, Educación, Juventud y Deportes de Madrid, Madrid, 1999.

AAVV: Berrocal, (Catálogo exposición) Comune di Ferrara, Ferrara, 1971.

AAVV.: Berrocal, Guerreros y toreros, (Catálogo exposición) Fundación Unicaja y Fundación Escultor Berrocal, Málaga, 2008.

AAVV.: Colección de obras propiedad del Ayuntamiento de Villanueva de Algaidas, (Catálogo exposición) Villanueva de Algaidas, 2011.

COLOMA MARTÍN, I.; PALOMARES SAMPER J.A.: Museo Berrocal, Villanueva de Algaidas, en Museos y colecciones públicas de Málaga, Universidad de Málaga, Málaga, 1996.

FOSTER, H., KRAUSS, R., BOIS, Y., BUCHLOH, B., Arte desde 1900. Modernidad, antimodernidad, posmodernidad, Akal, Madrid, 2006.

GAYA NUÑO, J.A.: Formas de la escultura contemporánea: el hierro en el arte español, Aguado, Madrid, 1966.

WALTER, I. F. (ed.), Arte del siglo XX. Pintura, escultura, Nuevos medios, fotografía, Barcelona, Taschen, 2001.

Nombre y Apellidos: Curso:

Colorea la imagen y después recórtala para formar un puzle.

Pega las piezas del puzle o haz un dibujo, utilizando como guía el dibujo que te proponemos.

Colorea y recorta la imagen para crear un puzle.

Pega las piezas del puzle o haz un dibujo, utilizando como guía el dibujo que te proponemos.

Los dibujos son realizados por Berrocal como una preparación, un ensayo para la escultura. Junto a ellos, se encuentra la escultura final.

La Totoche, opus 118, 1972-74 de Miguel Berrocal

Nombre y Apellidos: Curso:

Mi nombre es Miguel Ortiz Berrocal, y soy escultor. Nací en Villanueva de Algaidas, Málaga, en 1933.

En esta foto voy vestido como un hombre del siglo XVII.

Elige la escultura que prefieras del museo y completa la siguiente ficha:

Título

¿Qué crees que representa la escultura?

¿Qué te gusta de ella?

¿Es grande, pequeña o mediana?

¿Piensas que está formada por varias piezas o que es una única? Si tiene varias piezas, intenta decir cuántas. Este es un retrato que

me hizo uno de los pintores más famosos de los años 60, Andy Warhol

Busca esta escultura en el museo.

¿Sabes cómo se llama la escultura?

Escribe todos los alimentos que identifiques en esta escultura.

Aquí estoy junto a una de mis esculturas. A ver si la encuentras en el museo.

Ahora vamos a hacer una escultura de Berrocal. Necesitas cartones, unas tijeras, tres palos de madera, pegamento y la ayuda de un adulto. ¡Manos a la obra!

1. Recorta estas plantillas y dibújalas o pégalas sobre el cartón. 2. Recórtalas del cartón. Recorta varias piezas de la misma plantilla.

3. Pega con pegamento todas las piezas que sean iguales.

4. Inserta dos palos en los orificios señalados en la pieza f, siempre pide ayuda a un adulto. Pon el otro palo en el centro de la pieza.

5. Pide a un adulto que haga orificios en el centro de todas las piezas.

Este es el diseño de montaje, en el que cada línea se corresponde a una de las piezas anteriores. Es un dibujo de la escultura Manolete, opus 155 (1975-1977) de Miguel Berrocal

Una vez terminada la escultura puedes dibujar y colorearla.

Ya tienes una escultura puzle como las de Berrocal y también podrás montarla y desmontarla todas las veces que quieras.