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A mediados de los 60, a la zaga del Pop art surge en Estados Unidos una corriente que técnicamente persigue una perfección absoluta en la representación de la realidad, partiendo de la fotografía y basándose en el nuevo enfoque de la realidad que el uso no artístico de este medio presentaba. Las fotografías de registro de datos, las meramente informativas, de prensa, publicitarias o administrativas encuadran la realidad con una frialdad que pretenden dominar los también llamados fotorrealistas debido a esta apropiación. En el campo de la escultura se nos presenta de nuevo la estrecha relación entre la fotografía y el vaciado del natural, pues si bien los pintores parten de las fotografías para realizar sus obras, los escultores recurren al vaciado del natural para las suyas. Y del mismo modo que en la pintura no se oculta este uso si no que presume de él, los escultores harán otro tanto. Los desencuadres voluntarios, los desenfoques o la total profundidad de campo hacen tan presente la fotografía como el título de la exposición con que se dan a conocer en el Museo Guggenheim de Nueva York en 1966: The Photografic

Image es toda una declaración de intenciones.

Esta referencia al medio del que se sirven y su presencia en la percepción de la obra se hace patente en las esculturas y en su esmerada ejecución de los vaciados del natural. Duane Hanson y John de Andrea elaboran una sofisticada recuperación de los procedimientos tradicionales que actualizan con una serie nuevos materiales que en esos años se encuentran ya al alcance de los artistas. Todos los materiales plásticos y elastómeros derivados del petróleo, diseñados para la industria, son asimilados por los artistas en busca de una mayor fidelidad en la representación de sus modelos. Los registros del volumen y la presencia patente de las texturas son completadas por la policromía y la adicción de elementos reales. Duane Hanson (Alexandria, Minnesota, Estados Unidos, 1925- 1996) se muestra más cercano a los postulados del pop Art que le precede, mostrando en su obra una lectura de la realidad sociocultural en la que se encuentran. Nos muestra obras donde los personajes representados pertenecen a la realidad más cotidiana, lejos de iconografías o simbolismos. Con el objetivo de presentar esta realidad con una fidelidad máxima, se sirve del vaciado del natural para reproducir en resina de poliéster y fibra de vidrio la carne de los

modelos, realzando la sensación de naturalidad policromando éstas con veladuras pictóricas que reproducen la luminosidad y las transparencias dadas en la piel humana. Todos los demás elementos susceptibles de preservación, esto es, que no se descomponen con el tiempo, tales como pelo y por supuesto ropas y herramientas, son integrados directamente en los conjuntos escultóricos.

Imagen IV.5 Hanson, D. (1983-84). Corredor. Técnica mixta, acetato de Polivinilo, policromado al óleo y accesorios

.

Para la ejecución de estas obras y su perfeccionamiento con los nuevos materiales plásticos, estos escultores realizan una recopilación de información del pasado y recurren a otras profesiones que pueden aportar conocimientos y elementos de mejora como la incrustación de ojos de vidrio y la inserción de

vello natural, todo ello experimentado en sus estudios, adaptado y aplicado a su propia concepción de la obra. Si en Duane Hanson, centrado en representar la superficialidad de la sociedad, es menos habitual dejar guiños al espectador sobre la técnica que sustenta la elaboración de su trabajo, John de Andrea es constante en su reivindicación de su circunstancia de artista y explícito en sus referencias a la historia del arte.

John de Andrea (Denver, Colorado, Estados Unidos, 1941) comienza sus obras trabajando igualmente con vaciados del natural sobre modelo vivo, los cuales reproduce con resinas sintéticas y polivinilos, con un proceso minucioso que no deja huellas del mismo. El uso de la policromía, incorporación de pelo y ojos de vidrio o la ropa real sigue los patrones de su compatriota Duane Hanson pero a diferencia de éste, en su obra subyace una contextualización muy débil y adquieren protagonismo otros conceptos más universales. La búsqueda de la belleza (la natural en lugar de la idealizada), la poética o la melancolía le hacen enriquecerse con el arte del pasado al que alude con frecuencia sin renunciar a la estética de su época. Los modelos que elige para sus vaciados son amigos suyos que reproduce con fidelidad, en actitudes que representan serenidad o estados interiores reflexivos, transcribiendo por medio de policromía a base de veladuras pecas, lunares u otras anécdotas del físico que los hacen inquietantemente naturales.

En esta visita al pasado nos encontramos obra donde reinterpreta esculturas clásicas con dobles sugerencias. Su Galo moribundo de 1984 no solo hace alusión a la escultura clásica tantas veces reinterpretada, sino que es una referencia directa al ecorché vaciado del natural por Agostino Carlini y William Hunter en 1854 (Pág. 112).

Imagen IV.6 De Andrea, J. (1984). Galo Moribundo. Oregon's Portland Museum of Art.

Pero cuando más nos aporta, en lo referente a esta investigación, es cuando nos presenta obras donde deja patente su interés por los vaciados del natural, representando su propio trabajo en reiteradas ocasiones, de un modo sincero y reivindicativo. Por diferentes motivos a lo largo de la historia del arte el habitual “secreto profesional” ha ocultado del conocimiento público multitud de procesos creativos. Estas obras de John de Andrea nos remiten a una de las obras más explícitas sobre la práctica del vaciado sobre modelo vivo, 'A moulage sur nature' del pintor francés Edouard Dantan realizada en 1887, que curiosamente, se creó en un entorno hostil. Los interiores de taller eran habituales entre los temas de Dantan, artista de prestigio en su época. Nieto, hijo y sobrino de escultores, estaba habituado al ambiente y a los entresijos de los talleres de escultores, por lo que no tuvo problemas en tener acceso y poder representar esta práctica en una época en la cual, como explicamos anteriormente, era despreciada. Dantan se pudo permitir la exhibición sincera de esta técnica en el Salón de 1887 debido a que no estaba utilizándola, sino representándola. Ya célebre como intérprete de la actividad de los estudios de artistas, era alabado por sus composiciones donde habitualmente se recreaba en la exhibición de la

belleza del desnudo femenino, con la justificación de su presencia como modelo en el estudio.

De un modo similar, John de Andrea se representa a si mismo en varias ocasiones durante el proceso de ejecución de sus obras, en una reafirmación de la técnica de la cual se sirve para la creación de las mismas. A la idea de representación de la realidad que encarnan sus motivos se adhiere de una forma evidente la alusión al proceso por el cual éstas son creadas, de un modo muy distinto al que en épocas anteriores se realizaba. Dentro de la fecunda producción de obras que la trayectoria artística de John de Andrea, nos interesa especialmente toda la serie de obras que escenifican esta liberación de prejuicios respecto al proceso creativo y las referencias a la historia del arte que realiza.

En “el escultor y la modelo” de 1980, la escenificación del inicio del proceso, en el que se halla desmoldando a la modelo, es tratada de un modo idealizado, primando los valores estéticos y de composición, recreándose en la representación de la belleza del cuerpo femenino. Considerando lo complejo y sucio del proceso que sigue al desmoldado de la modelo de modo inmediato, en esta obra no es una prioridad para el artista hacer referencia a ello. El entorno limpio y la única presencia de la lata de desmoldeante como reseña del taller se completan con la disposición de la modelo en una peana de exposición, habitual giño al clasicismo en este escultor.

Más adelante esta reivindicación del proceso del vaciado de natural se hace más explícita, en coherencia con los postulados del hiperrealismo que no basa sus objetivos en la representación precisa de la realidad de un modo universal, sino que busca mostrar la realidad espacio-temporal concreta en que estas obras nacen.

Así en su escena de estudio de 1988 se autorretrata en pleno proceso de vaciado de una de sus modelos de un modo más fiel a lo que sucede realmente en el estudio durante este proceso. Sin renunciar a la composición de bases clásicas que le acompaña en toda su producción, John de Andrea realiza toda una exhibición del proceso del cual se sirve para la elaboración de sus obras.

Imagen IV.8 De Andrea, J. (1980), El escultor y su modelo.

La posición de la modelo, o la composición diagonal de los personajes sobre el tablero le diferencian de otros hiperrealistas que contextualizan sus obras en el entorno social. Mostrando el proceso del vaciado, el espacio propio es el único que le interesa. Las manchas producidas por la escayola del molde, el cubo que contiene la masa y la presentación de la modelo con el negativo realizado exactamente en la mitad trasera del cuerpo son una narración clarificada del procedimiento en ejecución.

Imagen IV.9 De Andrea, J. (1988). Sin título (escena de estudio). Polivinilo policromado al óleo. Museum Ludwig, Colonia, Alemania.

En un proceso de estas características las medidas a tomar son más complejas y la visión del conjunto es claramente más confusa. Se trata de un proceso largo de ejecución, por lo que la estabilidad de la modelo para soportarlo físicamente debe ser prioritario. En esta obra, la postura de la modelo en la silla responde más a una composición estética, al igual que la limpieza de la parte delantera del cuerpo que moldea responde más a una lectura clara de la situación que a la situación real. Pero lo que se nos hace interesante de estas obras es precisamente esta exégesis reivindicativa del proceso y sus evocaciones de la Historia del Arte.

Las alusiones a obras de arte de distintos periodos y culturas forman parte de los recursos artísticos de este escultor. En lo referente a las obras que han participado del proceso del vaciado del natural, muy posiblemente por el

secretismo que durante tanto tiempo las acompañó, se producen asiduamente este tipo de evocaciones. Podemos verlo así en la Alegoría de Courbet de 1988, donde John de Andrea de nuevo nos muestra el proceso del vaciado del natural, representándose a sí mismo tras haber realizado un molde observando una parte de este, el negativo de una mascarilla. Las manchas de la ropa y la modelo desnuda que observa desde atrás la máscara en manos del escultor indican que ha finalizado un vaciado de cuerpo entero, aunque solo muestre la mascarilla.

Imagen IV.10 De Andrea, J. (1988). Allegory after Courbet. Art Gallery of Western Australia.

Esta modelo rememora con su postura y la sábana que sostiene entre sus manos la equivalente del Estudio del pintor de Gustave Courbet, cuadro de un profundo sentido alegórico con el que Courbet quiso satirizar la sociedad que le

rodeaba y al que varios artistas han regresado para rememorarlo. El protagonista del cuadro es el propio pintor de igual modo que de Andrea lo es de su escultura, con lo que se puede interpretar que la máscara que observa el escultor recoge la sociedad representada en el cuadro de Courbet.

Estas alusiones llegan a ser recurrentes en cadena. Si regresamos al Moulage

sur nature de Eduard Dantan podemos apreciar, al fondo del estudio, una

referencia al vaciado del natural con la presencia del busto de Battista Sforza, obra que realizó Fracesco Laurana partiendo de un vaciado (pág. 61), escultura que sitúa bajo lo que aparenta ser un vaciado de un busto femenino. A espaldas de la modelo nos encontramos con una reproducción a mediana escala de uno de los esclavos de Miguel Ángel, habitual modelo en los centros de enseñanza de arte y de lógica presencia en un taller de moldes, pero igualmente símbolo recurrente de los valores renacentistas de revisión del clasicismo. De nuevo es de Andrea el que retoma esta alusión con su femenina

"Released" de 1989, si bien eligiendo a otro de los esclavos de Miguel Ángel, el

esclavo rebelde, pero haciendo referencia al mismo significado.

Completamos este círculo conexo con la fotografía de Marc Quinn incardinada en sus obras sobre los iconos sociales. Este artista británico de producción conceptual que utiliza frecuentemente los vaciados del natural con distintas finalidades en su obra, se sirve habitualmente de la imagen de la modelo Kate Moss al considerarla uno de los iconos de referencia de la sociedad occidental actual.

Imagen IV.11 Andrea, J. (1989). Released. Vinilo y policromía al óleo.

Salvando las distancias culturales en cuanto al significado y repercusión social de lo que encarnaba una modelo, la analogía con la representación de Dantan no se limita a la composición y a la descripción de lo representado. La figura femenina protagonista del cuadro de Eduard Dantan se trata de una prestigiosa modelo profesional requerida por famosos artistas de diferentes

países como Edgar Degas o John Singer Sargent, llamada Marie Renard, un icono en su tiempo.73

Imagen IV.12 Quinn. M. (2000). Kate Moss. Fotografía.

73 _{Noël, B. (2006). Parisiana  : la capitale des peintres au XIXe siècle /. Paris  : Les Presses franciliennes.}