MINE COUNTERMEASURES FORCE COMMAND AND CONTROL

En la mezcla de este proyecto también trabajamos el productor y el ingeniero de mezcla. Es importante en cualquier proyecto poder unir los conceptos musicales, sonoros y de producción en un solo producto para poder así plasmar lo que se quiere lograr en un disco.

Como primera medida, antes de comenzar a mezclar, se hicieron diferentes reuniones con el ingeniero de mezcla, para explicarle el concepto de las canciones, mostrarle guías sonoras de guitarristas y músicos que influenciaron la música de este disco, para así poder lograr el sonido que se buscaba en este proyecto. Por eso fue de suma importancia encontrar guías para cada canción y así, con ejemplos audibles, comenzar a trabajar comparando dichos ejemplos con las canciones a mezclar.

Algunos álbumes que nos sirvieron como guía en el proceso de mezcla fueron:

• Images and words, Dream Theater, 1992

• Holy land, Angra, 1996

• Temple of shadows, Angra, 2006

• No gravity, Kiko Loureiro, 2007

• Experiments in mass appeal, Frost, 2008

La mezcla de este disco se basó en equilibrar los tres elementos que consideramos cruciales en este tipo de trabajos, estos son: balance, profundidad sonora e interés en las canciones.

Procesos generales en la mezcla

Para mezclar cada canción empezamos por los instrumentos que consideramos más básicos. En el caso de este disco, la batería y el bajo son la base rítmica del proyecto. A partir de esto, el primer paso fue definir el sonido de los instrumentos nombrados anteriormente y, posteriormente, lograr el objetivo sonoro. El siguiente instrumento que activamos para mezclar fueron las guitarras rítmicas, después los pads, los teclados, las guitarras líderes y por último la voz. Esta lógica se utilizó para trabajar desde lo más básico hasta lo más detallado y hacer del proceso algo ordenado y sistemático.

Para abarcar con más profundidad el proceso de mezcla, hablaremos acerca de los puntos más importantes de cada canción respecto al concepto sonoro que se buscaba.

Evelyn

En esta canción tomamos como referencia el sonido de las nuevas bandas de metal alternativo, como Evanescence, que ofrece un sonido más actual sin mostrar tanta profundidad en mezcla, ya que omite en gran parte el uso de reverberaciones y desarrolla el concepto de tener los instrumentos más al frente todo el tiempo.

Como uno de los puntos más interesantes de la canción en cuanto a mezcla, vale la pena resaltar el efecto de volumen que hay en el comienzo, basado en canciones como “In the flash” (Pink Floyd) del álbum The Wall (1979), o “Bring me to life” (Evanescence) del álbum Fallen (2003), el cual consiste en dejar la introducción de la canción a un nivel mínimo para que el oyente sienta el cambio de energía entre éste y el volumen normal de la canción.

Sky

Esta es una de las canciones más desafiantes del proyecto, debido a la cantidad de canales que tiene. En ella encontramos batería, bajo, guitarras rítmicas, guitarras líderes, teclados y percusión secuenciada. Se puede decir que en un 90%, dichos instrumentos están sonando casi durante toda la canción. Es por esta razón que Sky es un tema que necesita una gran profundidad sonora, para matizar la importancia que requiere cada instrumento y generar diferentes planos.

Como ejemplo de esto, se destaca la forma en que la guitarra y el teclado tienen la misma relevancia en la introducción de la canción, en donde se muestra el motivo principal del tema (segundo 36), y más adelante el teclado se mueve a un segundo plano en el 1:06, dejando a la guitarra como instrumento principal. Esto se logró gracias a la automatización, que genera cambios interesantes para la persona que oiga el tema.

Otro punto importante que vale la pena resaltar es en el 1:24. Hace referencia al motivo que aparece en la introducción de la canción, que ahora pasa a un plano lejano; efecto similar al logrado en el 5:11, en donde la guitarra líder se oye a lo lejos, gracias a efectos de reverberación y ecualización que le dan más realismo al mismo plano. Por último, vale la pena resaltar los pads que cumplen la función de generar un colchón armónico a lo lejos de la canción; podemos deducir que la profundidad también hace parte de una mezcla y es tan importante como el balance y entendimiento de los instrumentos. Si bien Sky es una canción compleja, la mezcla de esta se hizo pensando en plantear varios campos sonoros para que el oyente percibiera elementos cercanos y lejanos, lo cual es una buena técnica cuando se tienen muchos instrumentos sonando al mismo tiempo.

Silver Tears

A comparación de Sky, esta canción tiene pocos instrumentos, los cuales se ubican todo el tiempo en un mismo plano sonoro, incluyendo las guitarras rítmicas, que están en un plano medio para dejar entender la guitarra líder y el bajo, elementos muy importantes en este tema. Ya que necesitábamos darle mayor importancia a los instrumentos anteriormente mencionados, también posicionamos el teclado en un campo medio,

aunque de una manera no realista (ya que entre más lejano esté el oyente de una fuente, sus frecuencias altas se escucharán menos por la longitud de onda), acentuamos sus frecuencias altas, para que se pudiera entender la armonía que hacían.

Flame Stone

Este tema está construido con una gran cantidad de instrumentos: batería, bajo, guitarras rítmicas, pads, guitarras líderes y teclados líderes. Debido a su rapidez y cantidad de instrumentos, es fundamental que todos los elementos se entiendan, por eso dejamos al mínimo posible los efectos como reverberación y delay, ya que podrían enmascarar la mezcla de la canción.

Algo muy particular de esta canción son sus cambios de métrica; por esta razón, fue necesario tener claro cómo se quería que sonara cada parte en donde existen dichos cambios. Para estar de acuerdo con la música, la mezcla también cambia en estas partes, realizando automatizaciones de volumen y en algunos casos de espacialización, como sucede en el 2:27, punto en el que generamos el efecto conocido como reverse reverb; por medio la opción Audiosuite de Pro Tools, invertimos la onda para después aplicar reverberación e invertir la misma de nuevo, haciendo sonar primero la reverberación que la señal y dando ese efecto que nos da una transición entre cambios de métrica.

When the spirits collide

Esta fue una de las canciones más agradables de mezclar en el proyecto, ya que a pesar de la cantidad de instrumentos que existe en ella, manejar efectos de especialidad no se

tornó complicado, debido a la velocidad que tiene la canción. Es importante destacar los puntos de interés que tiene esta canción, ya que gracias a la producción musical pudimos encontrar varios que nos ayudaban a diferenciar las secciones del tema musical.

En el 0:55, anulamos todo tipo de reverberación para tener la guitarra completamente seca y poder llegar a la siguiente parte, en donde de nuevo la reverberación vuelve a activarse, dando especialidad con el teclado que se encuentra totalmente al fondo. Más adelante, desde el 1:54 podemos percibir cómo las guitarras rítmicas están a un volumen más bajo para no opacar la melodía, y en el 2:17 vuelven a subir de volumen. Es importante hablar del cambio que existe en el 3:17, en donde la espacialidad de la mezcla cambia totalmente; podemos sentir una guitarra al fondo con mucha reverberación, ubicada a lo lejos y creando profundidad en la mezcla. Consideramos necesario generar estos ambientes para que el oyente sienta aparte de un cambio musical un cambio sonoro, sobre todo en canciones de esta longitud, se hace entonces un descanso musical y sonoro.

Finalmente, un punto crucial en la canción sucede en el 3:50, en donde las guitarras líderes se coloca al lado izquierdo y derecho del panorama respectivamente, creando una especie de pregunta y respuesta musical soportada con la espacializacion estereo. Estas dos guitarras se convierten en una en el 4:03, con lo que se vuelve a la mezcla que teníamos en toda la canción.

Blackmoon es el tema más corto del proyecto; sin embargo, su longitud no significa que el trabajo de mezcla haya sido fácil. Por el contrario, Blackmoon maneja bastantes instrumentos simultáneamente, y su tempo es moderadamente rápido. Por esta razón, fue de gran importancia definir al máximo los elementos determinantes de la canción, para lograr el mayor entendimiento posible.

Como puntos de interés, podemos oír cómo el clavicordio que entra en el inicio con la guitarra líder tocando la misma melodía, se posiciona en el campo estereo, al igual que la guitarras, dando una sensación de imagen sonora fija. Sin embargo, después las guitarras pasan al centro de la mezcla y más tarde aparece un nuevo elemento, guitarras con reverberación a los lados de la mezcla (0:38), haciendo que los efectos de panorama y espacialización se muevan a lo largo de la canción.

My Blood

Este tema es bastante especial, debido a que es el único que incluye voces en todo el proyecto; por esta razón, la posición lejana y cercana de los instrumentos es diferente a los demás temas musicales, ya que las voces en este caso son uno de los elementos más importantes, y deben de estar presentes para el entendimiento de la letra y no perderse en la sonoridad de la canción.

De esta canción vale la pena resaltar los puntos de interés que se lograron para diferenciar las partes de la canción. Desde la introducción de la canción se percibe una gran fuerza generada por la entrada de todos los instrumentos; sin embargo, al llegar a la estrofa uno (0:41), por medio de la automatización las guitarras eléctricas pasan a un

plano lejano, dejando percibir más la guitarra acústica, con lo cual se logra bajar la energía de la canción para después llegar al primer puente (1:00), en donde las voces fueron ecualizadas de manera diferente y un delay fue aplicado para dar más especialidad y hacer sentir un cambio de especialidad al llegar a los coros.

Los coros son la sección que tiene más voces en la canción. Cada una de estas voces fue ecualizada de forma diferente para crear una nueva atmósfera en la canción, todo esto se repite de manera similar para las segundas partes de estrofa, puente y coro. En el 2:47 encontramos la parte instrumental, en donde podemos sentir cómo cambia la ecualización de las guitarras para darle paso al teclado que viene, como también el protagonismo de la batería.

Finalmente, en el solo de guitarra podemos sentir cómo el piano va a un segundo plano, y posterior a esta sección el volumen de la canción decae al entrar los tiples, el requinto y la guitarra, para darle un respiro y configurar un momento especial, en el que aparecen cuatro voces, la primera al centro y las siguientes una a una por los lados. De esta manera, se crea una nueva parte a la canción que intensifica la parte musical y sonora para llegar al coro final y de nuevo retomar la fuerza que tenía la canción en los coros 1 y 2.

Optimización final

Después de la mezcla se procedió a masterizar las canciones grabadas, un proceso que a grandes rasgos se basa en crear un balance de ecualización, compresión y limitación. La masterización se debe efectuar de manera cautelosa para dar mayor definición y fuerza a

las canciones. Es de gran importancia aclarar que la masterizacion es el último proceso de un disco y su resultado depende de que el proceso de grabación y mezcla hayan sido exitosos en todos sus aspectos.

Tomamos varias canciones de referencia para hacer la masterizacion, incluyendo artistas de géneros similares para dar el color sonoro característico de este tipo de música. Dos exponentes sonoros clave fueron los álbumes Octavarium (2005) de Dream Theater y Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock (2008) de Joe Satriani; álbumes que nos convencieron mucho por su sonoridad nueva de rock instrumental, y por ser acordes al género que manejamos.

Básicamente, el proceso de masterización lo realizó el ingeniero por medio de software en Logic Pro 8. Fue importante llegar a un punto de equilibrio, en donde todas las canciones tuvieran un volumen similar. Para esto, se usaron compresores multibanda, ecualizadores y limitadores; al final comparamos que la sonoridad entre las canciones fuera lo más parecida posible, y exportamos las canciones aplicando un Dither, convirtiendo los 24bits de cuantización a 16 bits y pasando de 88200hz a 44100. De esta manera, conseguimos la calidad estándar del CD de audio que se describe al principio de la sección referente a la grabación.

CONCLUSIONES

A partir de la creación de este trabajo discográfico, se hizo una profundización en los conocimientos vistos en la carrera tales como composición, producción e interpretación. Una pieza fundamental del proyecto fue el equipo de trabajo, ya que para adquirir un buen resultado se necesitó un ambiente laboral adecuado, para así poder realizar la producción y a la vez escuchar y ver las diferentes formas de interpretación de los músicos que fueron fundamentales en el proyecto.

El compositor-productor definió el camino y visión del proyecto, como también los estilos musicales y sonoridades tímbricas mediante herramientas instrumentales, de orquestación y arreglos. Por otra parte, el ingeniero de sonido aportó los elementos técnicos necesarios para lograr la realización de todos los conceptos de producción y

una calidad optima del trabajo; sin embargo, es ineludible que el productor tenga conocimientos técnicos básicos de la ingeniería de sonido para facilitar la comunicación con el ingeniero.

Fue fundamental ubicarse en el género establecido y reconocer los elementos musicales estilísticos propios, desde la instrumentación, la interpretación, y el reconocimiento de cómo está hoy en día en industria musical. Es necesario también realizar un trabajo de análisis e investigación sobre el género, para determinar cómo ha sido su evolución a través de los años. Algo interesante fue la búsqueda de la fusión del torbellino y el rock progresivo, ya que son dos géneros distintos; el torbellino posee riqueza rítmica y un estilo único que se complementa con la armonía del rock para así lograr un producto original en el mercado.

Otro factor importante fue el logro de distintas sonoridades en cada uno de los temas, a través de los procesos de composición, grabación, producción y mezcla, pero a la vez la unión de todo lo mencionado logra un trabajo discográfico unificado, tanto conceptual como musicalmente.

Para concluir, el rock progresivo y la música colombiana son géneros que pueden ser mucho más explorados en la industria discográfica del país y el continente. Sus elementos musicales e influencias son interesantes y en el caso de la música colombiana únicos, lo que se convierte en un factor decisivo para lograr originalidad en el mercado mundial.

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“Riding The Train Of Thought“. En Dream Theater live at Budokan, Japanese Tour. (2004). Videograbación (DVD). Atlantic Records.

LISTADO DE PARTITURAS Blood Evelyn Silver tears Flame stone Black moon Sky