Reflections on the Methods Used in This Study 1 Phenolic analysis

Nacido trece años después que Debussy, Ravel conoció bien el ambiente impresionista. Teniendo presente la liberación alcanzada por aquél, fue forjando su estilo musical en busca de la concisión de un discurso exento de toda grandilocuencia, de un mundo concreto, más arquitectónico, cuya ejecución requiere cualidades claras y precisas. Frente a la fluidez, vaguedad e “imprecisión” de Debussy, Ravel opone precisión, claridad y contundencia, enmarcando sus sutilezas sonoras en un ambiente cartesiano y lógico.

Influencias.

En él encontramos múltiples influencias entresacadas de los más diversos períodos musicales. La liquidez de Debussy deja paso con Ravel a una cristalina transparencia. La influencia de Czerny y de su discípulo, Liszt, es evidente (sólo hay que ver el “Gaspard de

la nuit”). Encontramos también la escritura pianística de tejidos ligeros de Scarlatti,

prolongada por Liszt hacia el empleo de agudos cristalinos (“Jeux d’eau”), notas repetidas (“Alborada del gracioso”), o efectos orquestales (“Tocatta” de “Tombeau de Couperin”). Contrariamente, en su producción no encontramos abundantes octavas ni pasajes de saltos, sino numerosos y amplios arpegios, de carácter sensual y envueltos con el pedal, otorgándoles una importancia igual a la del material melódico. Consigue así que una impresión armónica tenue sirva a un objetivo estructural.

Las influencias literarias en Ravel son abundantes. Plasma en música cumbres de la poesía (Aloisius Bertrand en “Gaspard de la nuit”, por ejemplo). Él mismo señalaba la influencia que los autores del siglo XVIII ejercieron en su propia escritura pianística, especialmente de la tradición clavecinística de su país: Rameau o Couperin. Asienta de esta forma un gusto sin precedentes por la figuración ornamental y por la elegancia del trazo, hacia la artificial simplicidad típica del barroco musical francés. Su preferencia por un cierto contrapunto, sus formas tomadas del pasado, su nitidez, su rítmica con frecuencia próxima a la danza, le hacen caminar a la par de un neoclasicismo donde se hacen patentes la adopción de una armonía menos emocional y un ritmo más punzante y decidido.

La escritura de Ravel.

La escritura de Ravel está llena de detalles, y en ella se suceden miríadas de notas con figuraciones a menudo superpuestas unas a otras. Se trata de una escritura muy densa de acontecimientos sonoros que rechazan a su vez cualquier borrosidad. Cada detalle es importante, cada línea debe ser clara, y por eso necesitamos de un ataque preciso y controlado.

Su melodismo es de una originalidad absoluta, casi exclusivamente diatónico y basado en los modelos antiguos: modos eclesiásticos, escalas griegas plagales, escalas defectivas como la pentáfona o exátona, etc. La armonía de sus obras está basada en un pequeño número di acordes de los que sabe obtener múltiples sonoridades. Es frecuente su empleo en estado fundamental y su encadenamiento con movimiento por quintas del bajo, como si de una sucesión de cadencias se tratara. Entre los acordes utilizados por Ravel hay que destacar los de séptima, novena, oncena y trecena, con frecuentes apoyaturas disonantes no resueltas. Su armonización es de tipo decimonónico, con esquemas convencionales. De esta forma constató que la modernidad podía expresarse perfectamente con un lenguaje “tradicional”, contraponiéndose a los escándalos vanguardistas y futuristas, o a los experimentos dodecafónicos. En Ravel las disonancias son más áridas y duras que en Debussy, que las envuelve cuidadosamente.

Desde el punto de vista formal, dio nueva sabia a moldes antiguos. Cuando desarrolla algo no suele ser un desarrollo propiamente temático, sino que se trata más bien de una prolongación del pensamiento, del ambiente, de secciones yuxtapuestas, como en

Chopin.

En el arte de Ravel hay cuatro constantes:

- Por una parte la influencia española (su madre era vasca), cuyas canciones folklóricas llegaron a convertirse en parte de su pensamiento musical. Hay que destacar en este sentido el españolismo de la “Alborada del gracioso”, plena de notas discordantes que se suman a los acordes sencillos para recalcar el ritmo, según procedimientos seguidos por Scarlatti o Albéniz. El virtuosísmo de esta obra reúne elementos de las “Rapsodias húngaras” de Liszt y del “Islamey” de

Balakirev, como las notas repetidas.

- Por otra parte, la adquisición de los ritmos llegados de Norteamérica tras la Primera Guerra Mundial, y de sus formas y armonías, como el blues o el

ragtime (Concierto en Sol mayor). En sus últimos años, Ravel quedó fascinado

por el jazz. En su viaje a América conoció a Gershwin y se acercó a la música negra.

- Recrea las danzas del pasado y la atmósfera de los siglos XVII y XVIII: minuetos (Menuet antique), danzas barrocas (Tombeau de Couperin), valses (Valses nobles y sentimentales), etc.

- Su pasión infantil por los cuentos de hadas (Ma mere l’oye), la mitología, oriente, el mundo exótico, los autómatas y los juguetes mecánicos marcó

TEMARIO DE OPOSICIONES A CONSERVATORIO. ESPECIALIDAD PIANO. OSCAR ARROYO. Tema 12. La música francesa en el Impresionismo.

también su obra. Sentía una enorme fascinación por las máquinas, a las que él mismo reconocía que debía mucho de su inspiración: se trata de un mecanismo implacable ajeno a la acción humana, donde la conducción del tiempo es rígida como un reloj y a la vez elástica y embrujadora. Su célebre Bolero ilustra a la perfección esta estética.

8. EL GRUPO DE LO SEIS.

Satie fue el padrino musical del brillante grupo de compositores que durante una época se vieron tenuemente relacionados entre sí con el nombre de “Les six”: Poulenc,

Milhaud, Durey, Auric, Tailleferre y Honegger. En su concepción exigían alejarse de las

armonías esotéricas y del preciosismo debussyista dejando paso a divertidas melodías de circo, music-hall, etc. No pasó mucho tiempo cuando Milhaud y Honegger se alejaron de estos ideales.

Darius Milhaud (1892-1974) refleja en sus primeras composiciones para piano una alegría desbordante (Primera Sonata) y un cúmulo importante de recursos compositivos. La habilidad contrapuntística va a la par con melodías gloriosamente intrascendentes. Encontramos en él algunos de los primeros ensayos de bitonalidad: Milhaud consideraba que la politonalidad es una evolución lógica de la mentalidad de los países de origen latino.

El único compositor que se mantuvo coherente con el grupo de “Les six” fue

Francis Poulenc (1899-1963), quién utilizó de manera atrevida su asombroso don para la

imitación. Consideraba que ningún estilo prevalecía ni era sagrado, así es que ninguno quedó a salvo: en su obra satiriza y fusiona aires polacos con tempos extremadamente rápidos, melodías lisztianas, etc.

Sería en la década de 1930 cuando las carcajadas y el desdén de este grupo de músicos empezaran a ser más superficiales. La música francesa experimentaba un nuevo giro, de la mano sobre todo de Olivier Messiaen, el primer compositor que profundizó en los sondeos proféticos de las últimas obras de Debussy.

BIBLIOGRAFÍA.

-Chiantore, Luca: “Historia de la técnica pianística”. Alianza música.

-Grout, D.G y Palisca, C.V: “Historia de la música occidental”. Vol. II. Alianza. -Mathews, D: “La música para teclado”. Taurus.

TEMA 13

Sección 1ª: Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumetal, del repertorio pianístico de los clásicos del piano moderno: Falla, Strawinsky, Bartók,

Prokofieff, Hindemith, Shostakovich,etc.

Sección 2ª: Caracter ísticas de la interpretación pianística de este repertorio y problemas técnicos específicos. 1.- INTRODUCCIÓN. 2.- MANUEL DE FALLA (1876-1946) 3.- BÉLA BARTÓK (1881-1945) 4.- IGOR STRAWINSKY (1882-1971) 5.- SERGEI PROKOFIEFF (1891-1953) 6.- DIMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975) 7.- PAUL HINDEMITH (1895-1963) 8.- OTROS COMPOSITORES. BIBLIOGRAFÍA. INDICE

TEMARIO DE OPOSICIONES A CONSERVATORIO. ESPECIALIDAD PIANO. OSCAR ARROYO. Tema 13. Clásicos del piano moderno.

1.INTRODUCCIÓN