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Como se vio en la tabla de Friederich Marpurg, el apoyo emocional que ofrece la música es bastante importante; sin embargo, no siempre se debe ajustar las progresiones melódicas al sentimiento que respecta. Es aquí cuando encontramos que existe música convergente con la acción y música divergente con la acción. En términos de Michel Chion, música empática y anempática respectivamente.








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Según Chion, la música empática es la que se conecta con el sentimiento que el personaje esta sintiendo. Se puede decir que la tabla de arriba se aplica a la música empática y, más que redundante, dicha música le genera al producto un valor añadido.

La música anempática, por otro lado, es aquella que se aleja de ese sentimiento. No quiere decir esto que exprese un sentimiento contrario al que siente el personaje, simplemente continúa su línea melódica impasible al evento que ocurra en escena. “La música anempática, de algún modo, corresponde a un simple cambio de encuadre: es el fondo sobre el que se destaca cualquier emoción individual del personaje, nos muestra la indiferencia del mundo que le rodea. Desde esta perspectiva, la intensidad emocional no disminuye, al contrario, sino que se eleva a otro nivel”8

En la época del cine mudo, donde un piano acompañaba las películas, es difícil hablar explícitamente de una diferencia entre música empática y anempática ya que la música era sólo un acompañante a la película y raras veces tenía que ver con el contenido de la misma. Las piezas musicales que acompañaban las películas entonces eran creaciones propias para la película o también eran melodías compuestas con anterioridad. Incluso se puede decir que muchas películas han repetido piezas musicales en varias ocasiones, mostrando así la poca importancia del acoplamiento musical en el cine mudo.

4.5 Temporalidad

Hasta el momento se contemplan diversos usos de piezas musicales en el cine. Es preciso enfatizar que el uso de la música es bajo una razón válida proveniente desde el mismo corazón del guión.

A parte de los aspectos mencionados anteriormente, hay uno de vital importancia: el tiempo.

El paso del tiempo en el vivir diario es continuo, razón por la cual no somos conscientes de su transcurrir en gran parte del día. Sin embargo, una película no 








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puede imitar el transcurso normal del tiempo. Sería bastante monótono presenciar una escena de 30 minutos que no contenga ningún tipo de acción. Por eso en el cine existen elementos como la elipsis, que permite prescindir de espacios de tiempo muertos y mostrar sólo aquellos que son necesarios para construir la historia.

La música resulta ser un elemento de bastante ayuda para “suavizar” esos abruptos cambios de tiempo en la elipsis. Por ejemplo, en una película de acción, donde el montaje es bastante fragmentado y existen situaciones de diversos momentos ralentizadas o cortadas, la presencia de una música incidental rítmica con la escena ayuda a la sugestión del espectador, lo adentra en la trama y disminuye su capacidad de crítica a los aspectos que puedan parecer irreales con respecto al montaje.

Igualmente la música puede ayudar a mantener el ritmo de una escena si la imagen no lo consigue por si misma. Por ejemplo, en la película Titanic (1997) de James Cámeron. La escena en la que el trasatlántico zarpa del puerto esta complementada por una pieza musical bastante alegre y movida, aun así lo que se ve es un plano bastante lento en el cual, debajo del agua, las propelas del barco están quietas y comienzan a moverse lentamente mientras en la superficie hay toda una conmoción y euforia por la partida. La música continúa con su ritmo aún en el plano debajo del agua, lo que invita a mantener la emoción del momento y no a alterarse por ese brusco cambio de tiempo en la imagen.

La música implicada en el tiempo se puede utilizar para generar una expectativa de cambio de ritmo. Por ejemplo: una escena que está llegando a su fin y ve entrar una pieza incidental que va aumentando progresivamente de ritmo, puede ser un indicio de que la escena siguiente será mucho más movida, con un montaje más dividido y donde se puede llevar a cabo el desarrollo de un conflicto. Igualmente, una pieza en descenso puede significar el fin de un suceso y el desenlace del mismo en un ritmo más lento.

La música puede ser compuesta de acuerdo a los intervalos de movimiento y seguir exactamente la acción. Por ejemplo, la técnica del “Mickey-mousing”. Esta técnica hace referencia al seguimiento que la música hace a la acción en cuanto a que realiza puntuaciones en los mismos momentos que suceden acciones en la imagen. Un ejemplo de lo anterior es la conocida serie de dibujos animados “Tom & Jerry” la

cual, al carecer de voces en su mayoría de episodios, manejaba una orquesta que puntuaba con la técnica del Mickey-mousing las carreras y aventuras del gato y el ratón y estaban claramente diferenciadas las escalas mayores para momentos alegres y movidos y escalas menores para momentos tristes y lentos.

5. LA VOZ

La voz es, para bien o para mal, el elemento sonoro principal de una película. La razón es bastante simple: casi toda película tiene personajes en ella. Un personaje, por más que sea un ser humano, un animal o una cosa; tiene, la mayor parte de las veces, características como emociones, razonamiento y posibilidad de comunicación. Dicha comunicación viene dada generalmente por el uso de la voz, ya que así es como sucede en nuestra realidad.

“En el cine, <<tal cual es>>, para los espectadores <<tal cuales son>>, no hay sonidos en los que se incluye, entre otros, la voz humana; hay voces, y todo lo demás. Es decir, en cualquier magma sonoro, la presencia de una voz humana jerarquiza la percepción a su alrededor.”9

En un principio, dado por la ausencia de sonido en las películas, el cine mudo se valía de rótulos entre las escenas para explicar acciones, decisiones e incluso diálogos. Sin embargo, la voz no es sólo palabras con significado. La forma como se dicen las cosas y el timbre de voz que se maneja es muy importante. Por ello, en las películas mudas, el actor tenía la responsabilidad de acentuar sus reacciones físicas para demostrar la intención con la cual las palabras eran “dichas” y llegar a emociones complejas como el sarcasmo o la ironía.

Hoy en día, desde que existe la posibilidad de sincronizar el sonido con la imagen, se utiliza el elemento de la voz de manera sincronizada con la boca del emisor, siempre y cuando sea intencional que dicho personaje se vea en pantalla. El término que se usa para respetar la sincronía voz-boca es Lipsync. Lo anterior producto de lo que antes se 








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había mencionado: el acercamiento a la realidad. Aun así, la voz utilizada como producto de un personaje en pantalla es tan sólo una manera de utilizarla.

A continuación se hablara del dialogo de cine visto desde dos grandes puntos de vista: el origen de la palabra y la recepción de la misma.