Case Study-1:

El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó.44 La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.

En los Estados Unidos de Norteamérica, el arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg.45 Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920, con sus trabajos llamados ready-mades,46 el artista francés Marcel Duchamp serviría como precursor brindando a

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Sol Lewitt, en 1967 concede la prioridad absoluta a la idea o concepto, aunque insiste en su plasmación material. En su opinión el arte conceptual no es expresión de ideas filosóficas ni responde necesariamente a las reglas de la lógica, sino que es una empresa “intuitiva” e “irracional”. Marzona, Daniel, Arte conceptual, Editorial Taschen, Colonia, 2005. Pág. 19 y 20. En Arte Conceptual.

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Influyente crítico de arte estadounidense, muy relacionado con el movimiento de arte abstracto de ese país. Destaca desde finales de la década de los treinta hasta 1994, año de su muerte.

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«Un ready-made es un procedimiento artístico por medio del cual se produce una nueva percepción de los objetos gracias a que el artista los saca de su contexto original. Un urinario fuera del baño puede ser una pieza digna de observarse por la curvatura de sus formas, su ergonomía o la calidad de su diseño. Dentro del sanitario esa misma pieza es una insignificante cosa que solo sirve para recibir fluidos y desechos corporales».

los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.

Citando a Sol Lewitt, exponente fundamental del arte conceptual, se puede comprender con mayor profundidad las bases de esta corriente: «Me propuse realizar una obra de arte que fuera todo lo bidimensional posible; parece más natural trabajar directamente en las paredes que trabajar sobre otro medio para luego colgarlo en la pared».47

El arte conceptual transmite ideas sin necesidad de que el objeto artístico protagonice el acto comunicativo. Lo más importante para el artista conceptual es la carga intelectual y no visible que está detrás de cualquier obra sustentando su existencia: la idea, la duda, la pregunta, la intuición, etc. Uno de los mayores aportes de los conceptualistas es intentar mostrar que todo arte es conceptual y que detrás de toda obra hay un terreno inmaterial que, al igual que los elementos físicos, la configuran. Trabaja además, en ciertas ocasiones, con una manera particular de representar las cosas a través de la metonimia, un recurso retórico que permite representar un objeto sugiriendo apenas algunas de sus partes. En las obras conceptuales, la metonimia deja de ser un giro del lenguaje y se transforma en una posibilidad que permite a los artistas esbozar contenidos a partir de cualquier material, logrando que las ideas adquieran cuerpo de distintas maneras. Cabe señalar que el arte conceptual incluye, para algunos autores, otras corrientes relacionadas a esta, tal es el caso del dadaísmo.

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1.2.3 OP ART

Es un movimiento ligado a la pintura y nace en los Estados Unidos de Norteamérica en el año 1958. Usualmente, se le conoce por su acepción en inglés: op art, abreviación de optical art. Paralelamente, en Europa de finales de los sesenta se desarrollaba un movimiento llamado nueva tendencia, que tenía aspectos similares al movimiento norteamericano. Se le relaciona al arte cinético, diferenciándose de este por la ausencia de movimiento.

El término op-art se acuñó en un artículo publicado en 1964 por la revista «Time», acerca de un grupo de artistas que pretendían crear ilusiones ópticas en sus obras. Después de esto, el término se adoptó como el nombre oficial de este movimiento.

Es una corriente artística abstracta y su principal aporte al arte contemporáneo es la composición de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional que engaña al ojo mediante ilusiones ópticas. Frente a otras tendencias, el arte óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece.

El op-art se caracteriza por varios aspectos, entre los cuales destaca la ausencia total del movimiento real, las obras son físicamente estáticas.48 Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento

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Esta característica diferencia el op art del arte cinético, que principalmente trabaja esculturas con elementos móviles.

aparente, vibración, parpadeo o difuminación. Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias. En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. El artista del op-art no pretende plasmar en su obra sensaciones internas, no existe ningún aspecto emocional en la obra.49

1.2.4 POP ART

Roy Lichtenstein:

(El pop art) Es en verdad una de las cosas que, según creo, forman parte de las características más audaces y terribles de nuestra cultura, cosas que odiamos pero que tienen una fuerte influencia en nosotros […]. Fuera está el mundo, existe. El pop art mira hacia el exterior, hacia el mundo, parece aceptar su entorno que no es ni bueno ni malo, pero distinto –una actitud distinta.50

El arte pop surge a mediados de los años cincuenta en Inglaterra y a finales de esa misma década en los Estados Unidos de Norteamérica. El arte pop desafió la tradición afirmando que el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación es

contiguo51 con la perspectiva de las bellas artes dado que el pop remueve el material de su contexto y aísla al objeto o lo combina con otros elementos para su contemplación.

El concepto del arte pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las

49

HOLZHEY, Magdalena. Vasarely. Colonia: Ed. Taschen, 2005.

50

OSTERWOLD, Tilman. En Pop Art. Colonia: Ed. Taschen, 2003, pp. 44.

51

En términos en los que las imágenes de la cultura popular extraídas son un índice en razón a la contigüidad con el objeto cultural de las bellas artes.

actitudes que lo conducen. La mayoría de las obras son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El arte pop es considerado una extensión y a la vez un repudio del dadaísmo. Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el primero reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento dadá.

Cabe anotar que el movimiento que dio paso al pop art fue el

Minimalismo, en tanto considerado uno los últimos movimientos modernos del arte y precursor del arte contemporáneo, inclusive se le reconoce como el ejemplo más temprano del pop.

Dos artistas de gran importancia para el pop art fueron Andy Warhol y Roy Lichtenstein. Sus trabajos probablemente definen la premisa básica del arte pop mejor que nadie a través de la parodia. Las obras de Warhol y Lichtenstein, junto con las de algunos otros, comparten el uso de la típica imagen de la cultura popular norteamericana, aunque trata también al sujeto de una forma impersonal, ilustrando claramente la idealización de la producción en masa.

El pop repercutió también en terrenos extrapictóricos, prestando apoyo a una pop-music, dando pie a una pop-literature, etc. De paso, y a modo de ilustración, señalaremos que muchos poemas pop son hechos a partir de textos populares: etiquetas, artículos de periódicos, señales de tránsito, anuncios gráficos y radiales, discursos, canciones, etc. Este es un punto de encuentro con el movimiento dadaísta y las

recetas de Tristán Tzara52 de cómo hacer poesía dadá.

A pesar de que el arte contemporáneo se centra en producir en base a la novedad, aplicando nuevos modelos e influencias culturales, la tecnología, nuevas posturas ideológicas, etc., las raíces conceptuales, los antecedentes artísticos y estéticos se extienden, como ya hemos visto, desde principios del siglo XX. Los dadaístas aportaron técnicas y usos irónicos, el pop art sus referencias a la cultura comercial, el arte conceptual su focalización en las ideas antes que en los objetos y el op art su ilusión y movimiento. El videoarte va nutriéndose de estas corrientes para ir tomando forma a partir de la mitad del siglo pasado.